El viaje a la pureza de Mondrian y los geómetras holandeses

El holandés Piet Mondrian (Amersfoort, 1872 - Nueva York, 1944) fue uno de los artistas más relevantes e influyentes del siglo XX. Protagonizó un viaje plástico del clasicismo a un revolucionario orden geométrico y formal. De la clásica frondosidad plástica a la pureza más esencial, reduciendo su repertorio y su paleta a formas básicas, líneas rectas y colores primarios. Un viaje que cambió la historia del arte y en el que le siguió un grupo de osados artistas holandeses que conquistaron la modernidad. El Museo Reina Sofía revisa ahora su aventura en 'Mondrian y De Stijl', la muestra más relevante de la temporada en el 30 aniversario de la pinacoteca, que atraviesa el año más difícil de su joven historia.

Organizada junto al Stichting Kunstmuseum de la Haya, aborda la relación de Mondrian con 'De Stijl' (Estilo), el movimiento que aglutinó a los jóvenes creadores en los Países Bajos, cuna de un innovador movimiento abstracto basado en las relaciones entre formas rectangulares, planos de color y líneas rectas. Unos inquietos artistas que fundaron una revista homónima para intercambiar ideas. «Juntos imprimieron un rumbo único en el devenir del arte contemporáneo a principios del siglo XX», sostiene Manuel Borja-Villel, director del Reina Sofía.

En cartel hasta marzo de 2021, la exposición revisa la labor del colectivo desde la crucial influencia artística de Mondrian, «considerado junto a Picasso como la gran figura de referencia de la modernidad y decisiva para el desarrollo del arte en hispanoamérica, donde fue más relevante que Dalí o Miró», según Borja-Villel.

Comisariada por Hans Janssen, reúne 95 obras, con 35 de Mondrian y 60 de los artistas que formaban junto a él 'De Stijl'. Creadores como Theo van Doesburg, Bart van der Leck, Hendrik Petrus Berlage, Georges Vantongerloo o Vilmos Huszár. Unos geómetras del arte que derribaron además fronteras entre disciplinas, de manera que la pintura se convirtió en arquitectura, las artes aplicadas en escultura y el diseño adquirió rango de arte, otorgando un claro protagonismo a los colores primarios y a las líneas y formas puras.

«Mondrian es el paradigma del grupo. De religiosidad profana, interesado por la naturaleza, busca fórmulas esenciales. Era místico y material al tiempo y el faro de un grupo que apostó por la depuración matemática y formal en su abstracción geométrica», explica Borja-Villel. «Mondrian abre las obras de arte al espacio y al diálogo con otros artistas», destaca el director del museo, que ha hecho de este artista y sus coetáneos la gran apuesta de su temporada. La exposición se debía haber inaugurado en abril, pero la pandemia obligó al retrasarla y redujo el número de valiosas obras, aseguradas por la garantía del Estado en más de 625 millones de euros.

Aún así Borja-Villel expresa su alegría por la apertura «de una exposición que es un milagro». «Las obras son muy frágiles y difíciles de prestar, con museos en ERTE o cerrados. Estuvimos a punto de cancelarla, pero mantenerla e inaugurarla ahora es la demostración de que la cultura es segura y más relevante que nunca», dice más que satisfecho por el esfuerzo el director de un museo obligado a cambiar.

«Hay piezas más que relevantes, con precios que superarían en el mercado los treinta y los cuarenta millones de euros, pero no es, ni de lejos, la exposición más cara a la que nos hayamos enfrentado. Poco más de 600.000 euros, cifra muy asumible con los presupuestos actuales, incluso con la pérdida de ingresos por entradas», dice Borja-Villel. Explica que apenas faltan diez obras de las que estaba previsto exhibir originalmente. «Su formato es más íntimo y la muestra está en la escala de lo que deberemos hacer a partir de ahora los museos, una vez que parece que se ha acabado la época de las macroexposiciones», aventura.

Mondrian se inició en 1892 como pintor de paisajes, género clásico que le permitió adquirir en veinte años una increíble pericia pictórica. En 1905 concluyó que la belleza -objetivo último de todo pintor- «no reside en el sujeto o en la función representacional de una pintura», y sí en «cómo las formas y colores producen una plasticidad pictórica que apela al ojo del espectador».

Asumió que la fuente de la belleza se escondía en el cuadro y concluyó en 1914 que la belleza «reside en la superficie, en la estructura y la composición del color y las líneas». Invirtió tres años en afinar este esquema, para alumbrar en 1918 el nuevo estilo que liberaba a la pintura del marco y otras influencias y determinar el propio entorno en que se presenta. El arte del siglo XX se redefinía con la abstracción geométrica que conquistó el mundo y configuró la modernidad.